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Artist Group GOTENSIEBEN
Frankfurt - Berlin - Ibiza - Los Angeles


The artist group Gotensieben has been breathing new life into Appropriation Art.

With the group of works entitled SONS, we have created new, highly original works using established, overexposed icons. These new works make the over-burdened perception of the viewer part of the artistic process.

As flesh is the origin of all art, the idea of materializing souls through flesh became the inspiration for the SOULS FOR SALE group of works. In cave paintings, animal flesh is illustrated as food and totem and thus as a symbol of power and fertility. In language, the soul has long been flesh. People believe in reincarnation and hope for transmigration of souls. We offer you a glance at the soul flesh of the 21st century.

The work groups consist of photo prints / Alu-Dibond 180 x 130 cm. The works are produced in limited editions of 7 photo prints / work, are hand-signed, and will be numbered and certified by the artists.

Vernissage 10.04. - 19.00 Uhr
Königsteiner Straße 61 a
Frankfurt am Main

The introspective contemplation of humanity and the exploration of the self are central motifs driving the creation of art. Throughout the centuries, various personality types have emerged in the art world – from egocentric ego shooters to tormented narcissists, and profound souls who etch their innermost depths onto canvas. Naturally, a few true artists have also wandered into this realm (Cindy Sherman, Frida Kahlo, Zanele Muholi, Egon Schiele, Vincent van Gogh).

Are we now witnessing in the exhibition Me, Myself and I a mere ego trip? Is someone curating their own life and pulling Instagram out of the digital space into the real world? Or are we instead confronted with an artistic manifestation of the self, where the individual expresses their innermost reflections through techniques like appropriation?

In the context of the exhibition Me, Myself and I works from the extensive oeuvre of the renowned artist group Gotensieben will be presented, as well as a selection of works inspired by Klaus Reichert by fellow artists. The exhibited paintings and photographs are deeply imbued with themes of hope, home, happiness, death, and mourning, conveyed through a multi-layered and emotional visual language.

Two works stand out in the exhibition. Don't be afraid, brother by Susannah Martin and The Unknown Celebrity by Mike Kuhlmann. Susannah Martin reveals herself as a master of the classical subject, capturing and interpreting the nude in nature in an unparalleled manner. Her work reflects a deep connection with natural elements and conveys a subtle yet powerful message of strength and empathy. In contrast, Mike Kuhlmann's work The Unknown Celebrity offers a new perspective on iconic figures of contemporary history. As a renowned star painter, he manages to create a fascinating and enigmatic atmosphere that invites the viewer to question the boundaries between reality and fiction.
Klaus Reichert is at home in three worlds. As a visual artist, he creates works with deep symbolic power. He is successful as an author and ghostwriter, and he is perceived as a public figure as a radio moderator in the region where he lives. His name and voice are familiar to many, but hardly anyone knows his face. As the founder of the renowned artist group Gotensieben, Klaus Reichert was frequently portrayed by painters and photographers. Photographs from his childhood establish biographical connections in the exhibition. His roots in a butcher shop shaped his early years and are subtly reflected in his works, as is the complex relationship with his brother, which frequently appears as a motif in his works.
The seemingly glamorous life of pop, show, and movie stars, celebrities, and influencers is familiar to Klaus Reichert because he himself is part of this world of appearances. However, the exhibition consciously renounces the perpetually same staging, in which the inhabitants of the celebrity planet always smile into the cameras with radiant faces.

Klaus Reichert believes that one should generally be skeptical and distrustful of all individuals who crave the spotlight: "Most of the time, they just want our attention and our money, rarely do they have something good in mind that could benefit the world. Unfortunately, this increasingly applies to politicians," says Klaus Reichert, quoting a campaign manager for Donald Trump: "Politics is the show business of the ugly!"



Die introspektive Betrachtung des Menschen und die Auseinandersetzung mit seinem Selbst sind zentrale Motive, die die Entstehung von Kunst antreiben. Im Laufe der Jahrhunderte haben sich verschiedene Persönlichkeitstypen in der Kunstwelt etabliert – egozentrische Ego-Shooter, elende Narzissten bis hin zu den tiefgründigen Seelen, die ihre innersten Abgründe auf die Leinwand bannen. Natürlich hat sich auch der ein oder andere wahre Künstler in diese Welt verirrt (Cindy Sherman, Frida Kahlo, Zanele Muholi, Egon Schiele, Vincent van Gogh).

Werden wir nun in der Ausstellung Me, Myself and I Zeuge eines gewöhnlichen Egotrips? Kuratiert hier jemand sein eigenes Leben und holt Instagram aus dem digitalen Ghetto in die reale Welt? Oder werden wir mit einer künstlerischen Manifestation des Selbst konfrontiert, in der das Individuum seine innersten Reflexionen durch Techniken wie Appropriation zum Ausdruck bringt?

Im Rahmen der Ausstellung Me, Myself and I werden Werke aus dem umfangreichen Oeuvre der renommierten Künstlergruppe Gotensieben präsentiert, sowie eine Auswahl von Arbeiten, zu denen Klaus Reichert befreundete Künstler inspiriert hat. Die ausgestellten Gemälde und Fotografien sind zutiefst durchdrungen von den Themen Hoffnung, Heimat, Glück, Tod und Trauer, die in einer vielschichtigen und emotionalen Bildsprache erzählt werden.

Zwei Werke ragen aus der Bilderschau heraus. Don´t be afraid, brother von Susannah Martin und The Unknown Celebrity von Mike Kuhlmann. Susannah Martin offenbart sich als Meisterin des klassischen Sujets, indem sie den Akt in der Natur auf eine unvergleichliche Weise einfängt und interpretiert. Ihre Arbeit zeugt von einer tiefen Verbundenheit mit den natürlichen Elementen und offenbart eine subtile, doch kraftvolle Botschaft der Stärke und Empathie. Im Gegensatz dazu erweckt Mike Kuhlmanns Werk The Unknown Celebrity eine neue Perspektive auf ikonische Gestalten der Zeitgeschichte. Als renommierter Malerstar gelingt es ihm, eine faszinierende und zugleich rätselhafte Atmosphäre zu schaffen, die den Betrachter dazu einlädt, die Grenzen zwischen Realität und Fiktion zu hinterfragen.

Klaus Reichert ist in drei Welten zuhause. Als bildender Künstler erschafft er Werke mit tiefer symbolischer Kraft. Er ist als Autor und Ghostwriter erfolgreich und er wird als Radiomoderator, in der Region, in der er lebt, als zum Teil öffentliche Person wahrgenommen. Sein Name und seine Stimme sind vielen Menschen bekannt, aber so gut wie niemand kennt sein Gesicht. Als Gründer der renommierten Künstlergruppe Gotensieben wurde Klaus Reichert häufig von Malern und Fotografen porträtiert. Fotografien aus seiner Kindheit stellen in der Ausstellung biografische Verbindungen her. Seine Wurzeln in einer Metzgerei prägten seine frühen Jahre und spiegeln sich subtil in seinen Werken wider, ebenso wie das komplexe Beziehungsgeflecht zu seinem Bruder, das immer wieder als Motiv in seinen Werken auftaucht.

Das scheinbar so glamouröse Leben der Pop-, Show- und Kinostars, der Celebritys und Influencer kennt Klaus Reichert, weil er selbst Teil dieser Scheinwelt ist. Doch die Ausstellung entsagt bewusst den ewig gleichen Inszenierungen, in denen die Bewohner des Promiplaneten stets mit strahlenden Gesichtern in die Kameras lächeln.

Klaus Reichert ist der Meinung, man sollte grundsätzlich skeptisch und misstrauisch sein gegenüber allen Leuten, die ins Rampenlicht drängen: „Meistens wollen sie nur unsere Aufmerksamkeit und unser Geld, selten führen Sie etwas Gutes im Schilde, was der Welt nutzen könnte. Das gilt leider in zunehmenden Maße auch für Politiker“, sagt Klaus Reichert und zitiert einen Wahlkampfmanager von Donald Trump: „Politik ist das Showbusiness der Hässlichen!“


Come On See The Noize!

We are Rock'n'Soul - Myticket - Jahrhunderthalle Frankfurt. The response to our vernissage was overwhelming. 300 smiling faces made us happy. It couldn't have been better.
I would like to thank Mike Kuhlmann for having the confidence to bring me on board as curator. And I thank Moritz Jaeschke and Ellen Giersberg, the managers of the myticket Jahrunderthalle Frankfurt, for their generosity and phenomenal support. Special thanks to our host Jasmin Schülke from Journal Frankfurt.
And I thank the many people who came to enjoy the art.







With the exhibition, Frankfurt artist Mike Kuhlmann brings the “Who’s Who” of rock history back to the Jahrhunderthalle. His iconic star paintings are shown in the house club.





Die myticket Jahrhunderthalle Frankfurt und die Kunsthalle Ludwig präsentieren "WE ARE ROCK'N'SOUL" - Bilder von Mike Kuhlmann, kuratiert von Klaus Reichert. Mit der Ausstellung bringt der Frankfurter Künstler Mike Kuhlmann das „Who is Who“ der Rockgeschichte zurück in die Jahrhunderthalle. Gezeigt werden seine ikonischen Star-Gemälde im Club des Hauses.

„Oh Lord, won't you buy me a Mercedes Benz? My friends all drive Porsches…“

Es gibt in Deutschland nur einen einzigen Ort, an dem diese Zeilen live gesungen zu hören waren. Janis Joplin hat in ihrer kurzen Karriere nur drei Konzerte außerhalb der USA gespielt. Eins davon in der Frankfurter Jahrhunderthalle (12. April 1969). Geadelt durch die Konzerte des „Who is Who“ der Musikgeschichte wie The Doors, Jimi Hendrix, Ray Charles, Tina Turner, Frank Zappa, Grateful Dead uvm., gilt die Frankfurter Jahrhunderthalle seit nunmehr 60 Jahren als eines der europäischen Epizentren des Rock'n'Soul. Kenner feiern sie als den Geburtsort des Rock´n´Roll in Deutschland. Schon kurz nach der Eröffnung der Jahrhunderthalle im Jahr 1963, entstand durch das Veranstalter-Duo Lippmann und Rau im Frankfurter Westen die erste Clubszene. Amerikanische Künstler:innen aus dem Folk-, Blues- und Soul-Bereich bekamen mit der Jahrhunderthalle eine erste Bühne in Deutschland geboten.

Viele der Stars dieser vergangenen Ära werden ab Januar 2024 in die Jahrhunderthalle zurückkehren. Auch einige der viel zu früh Gestorbenen werden noch einmal zu sehen sein.

Die Gemälde der Rock'n'Roll Ikonen aus der Sammlung Ludwig an diesem für Rock´n´Soul heiligen Ort zu sehen, dürfte nicht nur für Menschen, die diese Künstler live in der Halle erlebt haben, zu einem emotionalen Flashback führen. Die Helden der Kindheit und Jugend werden mit diesen ikonischen Gemälden gefeiert. Mike Kuhlmann verbeugt sich als Maler vor den Größen der Musikgeschichte und bringt mit seiner Ausstellung und der in Frankfurt Höchst ansässigen Kunsthalle Ludwig die Kunst in den Frankfurter Westen, die in dieser Hinsicht bislang sträflich vernachlässigt wurde.

„WE ARE ROCK'N'SOUL“ wird kuratiert von Klaus Reichert, Gründer der Künstlergruppe Gotensieben und Initiator der Kunsthalle Ludwig. Klaus Reichert moderierte viele Jahre die hr3-Kultsendung „Hard´n´Heavy“ und ist heute im Programm von hr1 zu hören.

Mit einer Vernissage am 24. Januar 2024 öffnet die bis Mitte März geplante Ausstellung im Club der myticket Jahrhunderthalle ihre Pforten. Zur Vernissage begrüßt Jasmin Schülke, Chefredakteurin des Journal Frankfurt, den Künstler Mike Kuhlmann, Kurator Klaus Reichert und Gäste und gewährt im Rahmen eines Artist Talks tiefere Einblicke in das Werk Kuhlmanns und die
Geschichte der ehrwürdigen Jahrhunderthalle.

In der Kunsthalle Ludwig werden zeitgleich Gemälde weiterer Serien von Mike Kuhlmann präsentiert.


Butcher Soul and Son

Butchers are now getting involved in the art scene – that’ll be a shock! Hearty food in times of the veggie craze.






On closer examination, it’s a great surprise how the activity of a profession is reflected in the works of visual artists from ancient times through to the present day. In almost every time period, artists have been inspired by the professional world of butchers. The art history and history of this ancient craft are interwoven in many ways, as the butcher’s trade is considered the oldest craft in the world and marks the emergence of art in the Stone Age – the origin of culture.

In times of somewhat absurd nutritional debates, this exhibition will remind people of how closely meat is connected to human history and how far we have drifted from our origins. Perhaps only a few artists dare approach this topic.

Meat is used today in art as an underrated and taboo substance.

Meat is transient, raw, bloody and archaic.

Gotensieben artist group has ventured on this topic.


In its best moments, art invites the observer to get intellectually involved. Sometimes art is appealing, sometimes it is rejected, and often today, it depends on provocation. Fewer and fewer artists actually succeed in creating a work which gets through to people, doesn’t leave them cold, moves them emotionally and elicits approval – or rather criticism and refusal.

This is where the raw substance of Gotensieben artist group comes into play: meat!



Meat has a hard time in a liberal, technological, affluent society. Although we eat more and more (and unfortunately cheap) meat, hardly anyone wants to know where it comes from. One could almost speak of a taboo – even if of course it looks different from behind the meat counter. Meat is the best food that exists, and used in art, an underrated substance to get people thinking and to attract attention. Meat is transient, raw, bloody and archaic.

This is where butcher meets art.
The fact that a (small) part of the population rejects this profession is something butchers can live with. Being a butcher is rarely just a profession. You can only be a butcher if you are willing to put your heart and soul into this job; this connects the butcher with the artist.

The exhibition Metzgerei Seele & Söhne is all about responses: the images attract the observer, unsettle them and initiate a thought process – or perhaps not. What do the pictures evoke in the observer? Which change in perspective do they create?

It shouldn’t be underestimated that in this case, butchers are the originators of the art event and thus enter public discourse.

Butcher Soul & Sons – The exhibition

The following will be displayed:

- historic photos of the butcher’s trade;
- the SOULS group of works of Gotensieben

As children, Klaus Reichert and Thomas Balzer were convinced that the soul is an organ, hidden somewhere in the body. As members of the art group, they have gone in search of the soul and have found what they are looking for.

Since meat is the origin of all art themes, the idea for the members of Gotensieben artist group was to materialise souls through meat.



Gotensieben artist group is therefore continuing the long tradition of meat as an art form.

History
On closer examination, it’s peculiar and very exciting how the activity of a profession is reflected in the works of visual artists from ancient times through to the present day. In almost every time period, artists have been inspired by the professional world of butchers. The art history and history of this ancient craft are interwoven in many ways, as the butcher’s trade is considered the oldest craft in the world and marks the emergence of art in the Stone Age – the origin of culture.

As flesh is the origin of all art, souls must be expressed through flesh. Just like the lush and lascivious curves of the Venus of Willendorf express fertility. Or like in cave paintings animal flesh expresses nourishment or totem and thus a symbol of power. In most cultures the soul has long been flesh. People believe in reincarnation. God’s becoming man is accomplished through incarnation (lat. incarnatio = becoming flesh).

Since Pieter Aertsen in 1552 put a giant piece of meat at the center of one of his works (vanitas with Christ with Mary and Martha) many painters have followed. Even in the works of Rembrandt, Joachim Beuckelaer, Maerten van Cleve's flesh plays a central part. Only the rich could afford meat at that time – prepared by the lower classes: butchers, market women and kitchen maids. For Vincenzo Campi, Bartolomeo and Annibale Caracci Passerotti the common people, who prepared the meat thay ate, were vulgar, crude and “of the flesh”. The voluptas carnis, the lust of the flesh, a carnal sin, became synonymous with the lost soul.

Goya, Delacroix, Daumier and especially Chaim Soutine dedicated many of their paintings – sometimes their lives – to the carnal. From carnality came corruption and death. Francis Bacon sees the flesh and its decline as the main theme of his oevre: "As a painter, you always have to remember that a great beauty lies in the color of the flesh". Also Lucian Freud was very aware of the power of the flesh, "The color is the flesh of the painting ". Flesh stands for soil, body, human nature, and therefore transition.

In Viennese Actionism artists around Hermann Nitsch wanted to break taboos and provoke a satiated society. Again and again, accusations of blasphemy were brought against Nitsch. Even animal rights activists protested repeatedly against the use of animals being slaughtered in his “event art”. And of course Gunther von Hagens has to be mentioned, who with his Body Worlds draws on the anatomical representations of the Renaissance – and has had great success with it.

Present
The art campaign Butcher Soul & Sons summarises the relationship between butcher’s trade and art in the 21st century through a series of exciting references:

- the material of the artists comes from our slaughterhouses;
- the artists make something visible that unites us all: the soul;
- as craftspeople with a century-old tradition, we are part of the soul of our company;
- what we do (butchering and producing food) is a very old cultural technique;
- killing, gutting and roasting was the starting point of our culture.

Culture could only arise in the first place once the basic needs of people for protection and food were ensured.

Homo sapiens have made small works of art out of bones and painted cave walls with animals – with animals they had eaten.

After a roof over their head, a full stomach and artistically painted walls, man conceived natural spirits and, ultimately, invented religion.

In the end, everything is influenced by meat, so the notion of making the soul visible through meat is obvious – as the artists of Gotensieben artist group have done. In their art, what cannot be shown, or rather may or should not be shown, becomes visible.


A joint production of Kunsthalle Ludwig, Gotensieben artist group and Fleischer-Innung Frankfurt-Darmstadt-Offenbach





STARMAN by Franz Aumüller






Das Universum ist unendlich und die Zeit, die man warten muss, bis ein Kunstwerk von Franz Aumüller fertig ist, auch!

Der Mann ist ein Genie und hat so gar keine Lust, das zu zeigen. Franz Aumüller geht es ausschließlich darum, Kunst zu machen. Sie auszustellen, oder auch nur einen Satz dazu zu sagen, ist ihm ein Graus.

Die Mitglieder der Künstlergruppe Gotensieben erlösen ihn von dem Zwang, selbst sichtbar zu werden. Unter den tausenden von Werken haben Sie, ganz subjektiv nach eigenen Geschmack, ein paar besonders spannende Arbeiten ausgesucht. Zu jedem der Bilder hat der Künstler nur einen Satz zu sagen: „Ist noch nicht fertig!“

Und während wir hier gar nicht erst anfangen, die Kunst von Franz Aumüller zu beschreiben, dehnt sich das Universum weiter aus und kommt nie an sein Ende.
Genau wie Franz Aumüller.

Gezeigt werden in der Kunsthalle Ludwig Gemälde und Skulpturen aus allen Schaffensperioden.




Great Talents in our Hometown!

EVERYTHING IS NOTHING WITHOUT QUALITY
Frankfurter Schule für Bekleidung und Mode



Schlieder Consulting Kunstberatung präsentiert ihre zweite Frankfurter Pop-Up Ausstellung in der Kunsthalle Ludwig

Sylvia Schlieder zeigt mit ihrer Kunstberatung unter dem Titel „eyes wide open“ eine Gruppenausstellung der Künstler Felix Eckardt und Timo von Eicken (beide Hamburg), John Franzen (Maastricht) und Klaus Dupont (Berlin).





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KUNSTHALLE LUDWIG
Königsteiner Straße 61a
65929 Frankfurt










"Der permanenten Transformation und freien Zirkulation der Bilder setzen die Künstler der Ausstellung ein konzentriertes Innehalten entgegen. Jenseits von Fragen nach Materialität werden vorhandene Bilder neu formatiert. Mittels rhythmischer Verzögerung werden die Bilder auf ihr imaginäres Potenzial und ihre Rückkopplung an das Reale untersucht. Die Bilder selbst sind austauschbar und ortlos, sie sind allein Medium der Reflexion." (Aus der Ankündigung einer Ausstellung des Fridericianum Kassel)

Kleiner Scherz. Das Geschwurbel und Geblubber hat Null Komma Null mit uns zu tun. Es ist was es ist. Es gibt kein Geheimnis in der Kunst.






Künstlergruppe Gotensieben / Werkgruppe Souls For Sale

Exhibition "The Great Slaughter" from March 16 to April 23, 2023 at the Kunsthalle Trier, featuring the artist collective Gotensieben




Ein tief schwarzer, Unendlichkeit vermittelnder Hintergrund, vor welchem ein auf den ersten Blick undefinierbares Objekt zu schweben scheint – mit diesem ersten Eindruck und der Frage, ob man sich nicht vielleicht einer der neuesten Entdeckungen aus der Tiefsee des westpazifischen Marianengrabens gegenübersieht, lässt das Projekt „Souls For Sale“ den Betrachter zurück. Erst auf den zweiten Blick nimmt das Werk Form an – nur welche? Es lassen sich auf einer vermeintlich feuchten Oberfläche Blutgefäße und Haut erkennen, bis man schließlich gewahr wird, dass es sich um ein Organ handeln muss, allerdings keines, wie es in Biologie- oder Anatomiebüchern beschrieben oder gezeigt wird.

Mit „Souls For Sale“ versucht die Künstlergruppe Gotensieben (./.) der Seele eine Form zu geben, präziser: die Form eines fiktiven Organs, das sich neben Niere, Leber und Herz in den Körper einschmiegt und Heimplatz für die Seelen der Menschen oder der Tiere sein könnte. Drei Mitglieder der Künstlergruppe Gotensieben (./.) taten sich zusammen, da ihnen auffiel bzw. sie sich in ihrer Kindheit dieser Tatsache sicher waren, dass die Seele ein Organ sei: „‚Und das Wort ward Fleisch‘, sagt Johannes (Kap. 1), und ‚Auch die Seele ward Fleisch‘ sagt die Künstlergruppe Gotensieben.“

Insgesamt sechs Werke umfasst die Serie und in jedem wird ein anderes mögliches Organ dargestellt. Vor pechschwarzem Untergrund werden mittels Fotografien die Organe im Stil von Feuchtpräparaten gezeigt, einer Technik, die in der Biologie und Medizin seit dem 19. Jahrhundert Anwendung zur morphologischen Dokumentation findet. Nicht nur, um verschiedene Objekte wie Embryonen oder Tiere haltbar zu machen, sondern auch, um für die Vermittlung von Wissen aufbewahrt zu werden. Diese Gewebeteile werden mithilfe von Formaldehyd oder Ethanol konserviert. Das organische Material wird dabei in einem abgeschlossenen Behälter fixiert und dort mithilfe der Lösung konserviert. Zusätzlich kann es eingefärbt werden und oft wird es auf schwarzem Untergrund gezeigt, um einzelne Details noch deutlicher hervorstechen zu lassen.

Mit ihrer auf ähnlichem Untergrund fotografierten Serie stellt sich die Werkgruppe in diese Tradition und verleiht so ihrer künstlerischen Vision einen wissenschaftlichen Anstrich. Zur Erstellung der Werkgruppe bezogen Gotensieben über die guten Beziehungen (./.) eines Metzgersohns die von ihnen zu formenden tierischen Organe direkt und frisch von einem Fleischer. Aus Schlacht- oder Zerlegeabfällen wurde dann ein fiktives Seelenbehältnis geformt und fotografiert.
Gotensieben (./.) überführen damit das sprachliche und spirituelle Konzept der Seele mit ihren Objekten und deren Ablichtungen in Fleisch und damit in ein fassbares Konstrukt. So erscheint in jedem der Fotoobjekte ein anderes erdachtes Organ. Diese erinnern u. a. an Ligamente, die Nebenniere oder den Magen. Sie lassen sich dabei von den Alten Meistern, genauer von deren anatomischen Studien und den medizinischen Darstellungen des Renaissancezeitalters genauso inspirieren, wie von Gunther von Hagens und seinen „Körperwelten“. Zudem berufen sie sich auch auf die Menschwerdung Gottes, die sogenannte „Inkarnation“. Das Fleisch steht hier für Irdisches, Leibliches und Vergängliches. So scheint auch der Titel „Souls For Sale“ fast schon eine Überspitzung des Werkinhalts zu sein, kann doch jeder sich eine dieser Seelen kaufen, die durch die Künstler ins Weltliche überführt und dann mittels der Fotografie unvergänglich gemacht wurden.

Mit ihrer hochkontrastreichen Werkreihe zeigen Gotensieben dem Betrachter Möglichkeiten und Fragen gleichzeitig auf. Die Werke regen zur Diskussion über Seele, Leib und andere fundamentale Fragen an, und bieten gleichzeitig einen neuen Blickwinkel in das Innerste eines Lebewesens.



Exhibition "The Great Slaughter" from March 16 to April 23, 2023 at the Kunsthalle Trier, featuring the artist collective Gotensieben

A seemingly undefinable object hovering against a deep, dark background conveying infinity. The initial impression raises the question whether we are facing the latest discoveries from the depths of the West Pacific Mariana Trench.
The project "Souls For Sale" leaves the viewer suspended in a sea of mystery.
Only at closer inspection does the work claim it’s shape…
A moist surface, bulging veins and pale, oily skin seem to appear, an organ unlike anything that can be found in biology or anatomy books.
"With 'Souls For Sale,' the artist collective Gotensieben aims to give shape to the eternal concept of soul. More precisely: the shape of an imagined, hypothetical organ that pulses and throbs in the body amongst kidney, liver, and heart. A vessel made of sinew and flesh that contains the soul, of animal or man.
Three distinguished members of the artist collective Gotensieben united in their common belief that the soul is a physical organ, a manifestation of flesh and blood: “And the Word became flesh,' says John (Ch. 1), and 'The soul became flesh.”
The series comprises a total of six works, each depicting different, impossible organs. Against an infinite background, these wet and shiny specimens have been captured by method of morphological documentation, an academic technique that has been traditionally used in biology and medicine since the 19th century to archive various objects such as embryos or animals but also for the supreme conveyance of knowledge. Preserved eternally in ethanol and formaldehyde, these creations of organic matter rest suspended in a void of mythological, celestial darkness.
Photographed against a unified stark, black institutional background, the artists have willfully adapted the Oxford School of Photographies austere, scientific style. For their carnal creations, Gotensieben worked with actual animal organs, harvested by a close relative… a purveyor of fine meats. From slaughter refuse and cut waste, those vessels of souls were skillfully reassembled and meticulously recorded.
Inspiration was also drawn from old Flemish Masters, in particular the acerbic anatomical studies such as the medical illustrations of the Renaissance period, i.e. Gunther von Hagens “Body Worlds" or “the Incarnation and the embodiment of God”. Flesh here stands for the earthly, bodily, and perishable. Thus, the title "Souls for Sale" seems to be an exaggeration of the works content, as anyone can buy one of these souls that the artists have transferred into the worldly through otherworldly photography.
With their high-contrast series of works, Gotensieben confronts the viewer with possibilities and questions. Their images stimulate discussion about body, soul and other fundamental questions about what remains, while offering a new perspective into the a living organisms innermost.
Excerpts from the exhibition catalog by Lea Chybych
Copyrights:
Photos: University of Trier, Andreas Thull Photos: EKA e.V. Trier, Jörg M. Snijder



Un fond noir profond, évoquant l’infini, devant
lequel semble flotter un objet à première vue indéfinissable – c’est avec cette première impression et la question de savoir si l’on n’est peut-être pas face à l’une des dernières découvertes des profondeurs marines de la fosse des Mariannes du Pacifique occidental que le projet « Souls For Sale » laisse le spectateur. Ce n’est qu’au deuxième coup d’oeil que l’oeuvre prend forme – seulement laquelle ? On peut voir des vaisseaux sanguins et de la peau sur ce qui semble être une surface humide, jusqu’à ce que l’on se rende compte qu’il doit s’agir d’un organe, mais pas comme ceux décrits ou montrés dans les livres de biologie ou d’anatomie.
Avec « Souls For Sale », artistes tentent de donner
à l’âme une forme, plus précise : la forme d’un organe fictif qui se loge dans le corps aux côtés des reins, du foie et du coeur et qui pourrait être le foyer des âmes des hommes ou des animaux. Les deux membres du groupe d’artistes Gotensieben se sont associés parce qu’ils ont remarqué, ou plutôt parce qu’ils étaient sûrs de ce fait dans leur enfance, que l’âme était un organe : « Et le mot devint chair », dit Jean (chap. 1), et « l’âme aussi devint chair », dit le groupe d’artistes Gotensieben. La série comprend en tout six oeuvres et chacune d’entre elles représente un organe différent possible.
Sur un fond noir de jais, les organes sont présentés au moyen de photographies dans le style des préparations humides, une technique utilisée en biologie et en médecine depuis le 19e siècle pour la documentation morphologique. Non seulement pour conserver différents objets tels que des embryons ou des animaux, mais aussi pour être conservés en vue de la transmission du savoir. Ces tissus étaient conservés à l’aide de formaldéhyde ou d’éthanol. La matière organique est alors fixée dans un récipient fermé et conservée à l’aide de la solution. De plus, elle peut être coloré et elle est souvent montrée sur un fond noir afin de faire ressortir certains détails. Avec sa série photographiée sur un support similaire, l’ensemble d’oeuvres s’inscrit dans cette tradition et confère ainsi à cette vision artistique un aspect scientifique. Pour la réalisation de cet ensemble d’oeuvres, grâce aux contacts du fils du boucher Reichert, Gotensieben se procurait directement les organes d’animaux frais qu’ils devaient façonner. À partir de déchets d’abattage ou de décomposition, un contenant d’âme fictif a ensuite été façonné puis photographié.
D´artistes transposent ainsi dans la chair, et donc dans une construction tangible, le concept linguistique et spirituel de l’âme. Ainsi, un organe imaginaire différent apparaît dans chacun des objets photographiques.
Ceux-ci rappellent, entre autres, les ligaments, la glande surrénale ou l’estomac. Ils s’inspirent des maîtres anciens, plus précisément de leurs études anatomiques et des représentations médicales de l’époque de la Renaissance, ainsi que de Gunther von Hagen et de ses « mondes corporels ». En outre, ils se réfèrent également à l’incarnation de Dieu, ce que l’on appelle l’« incarnation ».

La chair représente ici les choses terrestres, corporelles et éphémères. Ainsi, le titre « Souls For Sale » semble être presque une exagération du contenu de l’oeuvre, puisque chacun peut s’acheter une de ces âmes, qui ont été transférées par les artistes dans le monde et ensuite rendues impérissables par la photographie. Avec sa série d’oeuvres hautement contrastées, Gotensieben expose le spectateur à la fois des possibilités et des questions. Les oeuvres incitent à la discussion sur l’âme, le corps et d’autres questions fondamentales, tout en offrant un nouveau point de vue sur l’intérieur de l’être vivant.


Textauszüge aus dem Ausstellungskatalog von Lea Chybych
Copyrights Photos: Universität Trier, Andreas Thull
/ EKA e.V. Trier, Jörg M. Snijder



Kunstverein Familie Montez

It is a great honor for all past and present members of the artist group Gotensieben that works from the series 'Souls for Sale' are being exhibited alongside works by the great artist Hermann Nitsch. We express our gratitude to Mirek Macke and Daniel Mouson for this opportunity.
Thanks Kunstverein Familie Montez - Frankfurt



Souls For Sale – Âmes à vendre

« Et la parole s'est faite chair », a dit Jean (l'Évangile selon Jean, chapitre 1). « Et l'âme aussi s'est faite chair », dit le groupe d'artistes Gotensieben. Enfants, Klaus Reichert et Thomas Balzer étaient convaincus que l'âme était un organe dissimulé quelque part dans notre corps. En qualité de membres du groupe d'artistes, ils se sont mis en quête de l'âme et l'on trouvée.

La chair étant à la source de tous les thèmes artistiques, l'idée de matérialiser les âmes par la chair s'est imposée. Les rondeurs charnelles généreuses de la Vénus de Willendorf symbolisent la fertilité. Dans la peinture rupestre, la chair animale est représentée en tant que nourriture et totem, donc comme un symbole de pouvoir. Le langage a depuis longtemps « donné chair » à l'âme. Les gens croient en la réincarnation et espèrent une transmigration des âmes. Lorsque Dieu se fait Homme, c'est l'accomplissement de l'incarnation (du latin incarnatio, signifiant « incarnation »).



Depuis que Pieter Aertsen fut le premier, en 1552, à placer au centre d'une de ses œuvres un énorme quartier de viande (nature morte de vanité intitulée Le Christ chez Marie et Marthe), la chair n'a cessé d'obséder les peintres. Même chez Rembrandt, Joachim Beuckelaer, Maerten van Cleve, les pièces de viandes dominaient les tableaux. À l'époque, seuls les nantis pouvaient se permettre de consommer de la viande, laquelle devait être préparée par les classes inférieures : bouchers, femmes des marchés et cuisinières. Chez Vincenzo Campi, Bartolomeo Passerotti et Annibale Caracci, le bas peuple, alors assigné à la préparation de la viande, était considéré comme vulgaire, grossier et soumis à la chair. Le voluptas carnis, c'est-à-dire le « désir de chair », devint synonyme de péché.

Goya, Delacroix, Daumier, et tout particulièrement Chaim Soutine, se sont consacrés à la chair dans leur peinture (et pas seulement là). Chez eux, le désir de chair est devenu source de perdition et de mort. Chez Francis Bacon, l'aspect charnel des personnages et leur déchéance est souvent un thème principal : « En tant que peintre, on doit sans cesse avoir à l'esprit qu'une grande beauté réside dans la couleur de la chair. » Lucian Freud était aussi très conscient du pouvoir de la chair : « La couleur est la chair de la peinture. » La chair est, par essence, terrestre, corporelle, humaine et, de ce fait, éphémère.

Dans l'actionnisme viennois, les artistes autour de Hermann Nitsch voulaient briser des tabous et provoquer une société repue. On a constamment reproché à Nitsch d'être blasphématoire. Même les défenseurs des animaux s'élèvent régulièrement contre sa façon de traiter leur abattage à l'occasion de ses happenings sanglants. Et il convient naturellement d'évoquer aussi Gunther von Hagens, qui s'inspire de la représentation anatomique de la Renaissance dans ses Körperwelten (Mondes des corps), et connaît un grand succès auprès du public.

Le groupe d'artistes Gotensieben, avec ses photos grand format, offre un regard sur la chair de l'âme au XXIe siècle. Les photographies spectaculaires font actuellement sensation dans le monde entier et ont propulsé le collectif originaire de Francfort dans la cour des grands de l'art contemporain.



And the Word became flesh, says John (Joh 1:14). So did the Soul, says Gotensieben, a group of artists around Klaus Reichert and Thomas Balzer. As children, they were convinced that the soul was an organ hidden somewhere in the body. As members of Gotensieben they have searched for the soul. And they have found her.



As flesh is the origin of all art, souls must be expressed through flesh. Just like the lush and lascivious curves of the Venus of Willendorf express fertility. Or like in cave paintings animal flesh expresses nourishment or totem and thus a symbol of power. In most cultures the soul has long been flesh. People believe in reincarnation. God’s becoming man is accomplished through incarnation (lat. incarnatio = becoming flesh).



Since Pieter Aertsen in 1552 put a giant piece of meat at the center of one of his works (vanitas with Christ with Mary and Martha) many painters have followed. Even in the works of Rembrandt, Joachim Beuckelaer, Maerten van Cleve's flesh plays a central part. Only the rich could afford meat at that time – prepared by the lower classes: butchers, market women and kitchen maids. For Vincenzo Campi, Bartolomeo and Annibale Caracci Passerotti the common people, who prepared the meat thay ate, were vulgar, crude and “of the flesh”. The voluptas carnis, the lust of the flesh, a carnal sin, became synonymous with the lost soul.

Goya, Delacroix, Daumier and especially Chaim Soutine dedicated many of their paintings – sometimes their lives – to the carnal. From carnality came corruption and death. Francis Bacon sees the flesh and its decline as the main theme of his oevre: "As a painter, you always have to remember that a great beauty lies in the color of the flesh". Also Lucian Freud was very aware of the power of the flesh, "The color is the flesh of the painting ". Flesh stands for soil, body, human nature, and therefore transition.



In Viennese Actionism artists around Hermann Nitsch wanted to break taboos and provoke a satiated society. Again and again, accusations of blasphemy were brought against Nitsch. Even animal rights activists protested repeatedly against the use of animals being slaughtered in his “event art”. And of course Gunther von Hagens has to be mentioned, who with his Body Worlds draws on the anatomical representations of the Renaissance – and has had great success with it.

Now, at the third millennium, Gotensieben allow us a look at “souls in the flesh”.





Carole Nicolas et Klaus Reichert
Angers Abbaye du Ronceray








Und das Wort ward Fleisch, sagt Johannes (Kap 1). Und auch die Seele ward Fleisch, sagt die Künstlergruppe Gotensieben. Als Kinder glaubten Klaus Reichert und Thomas Balzer fest daran, die Seele sei ein Organ, irgendwo im Körper verborgen. Als Mitglieder der Künstlergruppe haben sie sich auf die Suche nach der Seele gemacht und sind fündig geworden.

Da Fleisch der Ursprung aller Kunstthemen ist, drängte sich die Idee auf, Seelen durch Fleisch zu materialisieren. Die üppigen fleischlichen Rundungen der Venus von Willendorf symbolisieren Fruchtbarkeit. In den Höhlenmalereien wird tierisches Fleisch als Nahrung und Totem und damit als Symbol der Macht illustriert. In der Sprache ist die Seele schon lange Fleisch. Menschen glauben an Reinkarnation und hoffen auf Seelenwanderung. Die Menschwerdung Gottes vollzieht sich durch Inkarnation (lat. incarnatio = Fleischwerdung).

Seit Pieter Aertsen 1552 als Erster ein mächtiges Stück Fleisch in den Mittelpunkt eines seiner Werke setzte (Vanitas-Stillleben mit Christus bei Maria und Martha), hat Fleisch die Maler nicht mehr losgelassen. Auch bei Rembrandt, Joachim Beuckelaer, Maerten van Cleve beherrschen Fleischstücke die Gemälde. Nur Reiche konnten sich damals Fleisch leisten, dass von den unteren Schichten: Metzgern, Marktfrauen und Küchenmädchen zubereitet werden musste. Bei Vincenzo Campi, Bartolomeo Passerotti und Annibale Caracci galt das niedere Volk, dass das Fleisch zubereiten musste, als vulgär, roh und dem Fleisch ergeben. Die voluptas carnis, die Fleischeslust, wurde zum Synonym sündhaften Lebens.

Goya, Delacroix, Daumier und immer wieder Chaim Soutine haben sich dem Fleischlichen in ihrer Malerei gewidmet (und nicht nur da). Aus der Fleischeslust wurde bei ihnen Verderbnis und Tod. Bei Francis Bacon ist das Fleischliche der Figuren und damit ihr Verfall oft das Hauptthema: „Als Maler muss man immer daran denken, dass eine große Schönheit in der Farbe des Fleisches liegt.“ Auch Lucian Freud war sich der Macht des Fleisches sehr bewusst: „Die Farbe ist das Fleisch der Malerei“. Fleisch steht für Irdisch, leiblich, menschlich und damit vergänglich.

Im Wiener Aktionismus wollten Künstler um Hermann Nitsch Tabus brechen und eine satte Gesellschaft provozieren. Immer wieder wurde gegen Nitsch der Vorwurf der Blasphemie erhoben. Auch Tierschützer protestierten immer wieder gegen den Umgang mit geschlachteten Tieren im Rahmen seiner blutigen Happenings. Und natürlich muss auch Gunther von Hagens erwähnt werden, der sich mit seinen Körperwelten auf die anatomischen Darstellungen der Renaissance bezieht und damit beim Publikum großen Erfolg hat.

Die Künstlergruppe Gotensieben ermöglicht mit ihren großformatigen Fotoprints nun einen Blick auf Seelenfleisch im 21. Jahrhundert.





Kunstverein Familie Montez e. V. / Frankfurt am Main

Endlich frei!

Das Bildmotiv „Akt in der Landschaft“ ist so alt wie die Kunst selbst. Trotzdem fällt es KünstlerInnen der Gegenwart schwer, den Menschen in freier Natur ohne Ironie und mit überzeugender Selbstverständlichkeit darzustellen. Der zeitgenössische Mensch wirkt in einer architekturlosen, unberührten Landschaft wie ein Fremdkörper.
Sind wir weniger frei als unsere Vorfahren? Sind wir von unserer natürlichen Umgebung soweit entfremdet, dass wir nicht ohne unser massenproduziertes Besitztum in irgendeine Umgebung integrierbar sind?
Das sind die zentralen Fragen, die Susannah Martin in ihren Arbeiten untersucht. Das Resultat dieser Untersuchung: die Bilder wirken unheimlich, „uncanny“ würde man auf Englisch sagen. Die fehlende Harmonie ist unvermeidbar und offensichtlich.

Susannah Martin wurde 1964 in New York City geboren. Sie erhielte einen SEHNAP Stipendium für Malerei und studierte Kunst an der New York University. Ihre wichtigsten Lehrer waren u.a. John Kacere, Louise Lawler, Sherrie Levine und Peter Campus. 1991 lässt sie sich in Deutschland nieder. Seit 1993 wohnt und arbeitet Susannah Martin in Frankfurt am Main. Weitere Biografie und Ausstellungsgeschichte finden Sie auf www.susannahmartin.de

https://kvfm.de/endlich-frei/














Im Letzten Hemd - Photo-Exhibition

www.im-letzten-hemd.de

Rheinische Musikschule / Köln



Photographic Art Exhibition
The Last Shirt

The Last Shirt is a group of photographic works from the collection of Fritz Roth’s Private Academy of Grief, portraying people who have chosen their last shirt.

For this photographic art project, people of all ages, from all social classes and walks of life, were confronted with their own mortality in an unusual way. Photographer Thomas Balzer took the portraits of all the participants laid out in the last shirt of their choice.





The Last Shirt presents a visually powerful counterpoint to the ubiquitous ‘selfies.’ The shroud of the 21st century has to compete with a flood of images and messages. The encounter with the finiteness of life can teach us all one of life’s significant lessons: Values only emerge when the context is limited. This also applies to the value – and ultimately the quality – of life.




The photographic art project The Last Shirt was inspired and initiated by Hanna Thiele-Roth and David Roth. The siblings are the managing directors of the Pütz-Roth funeral home in Bergisch Gladbach, Germany. The Pütz-Roth funeral home was founded by Fritz Roth, who has repeatedly caused a sensation throughout Germany with his initiatives for better dealing with death and grief.



Eine der wesentlichen Lehren für das Leben kann jeder von uns am besten aus der Begegnung mit der Endlichkeit ziehen: Nur in der Limitierung erschließen sich Werte. Das gilt auch für den Wert – und damit am Ende für die Qualität – des Lebens.

Wir zeigen zwanzig Arbeiten der Werkgruppe Im Letzten Hemd aus der Sammlung der Fritz-Roth-Stiftung. Zu sehen sind Fotografien von Menschen, die ihr letztes Hemd gewählt haben. Menschen jeden Alters, aus allen Schichten und Lebenswelten haben sich im Rahmen dieses Fotokunstprojektes auf besondere Art mit der eigenen Sterblichkeit konfrontiert.

Die Ausstellung Im Letzten Hemd setzt einen bildmächtigen Kontrapunkt zu den allgegen-wärtigen ,Selfies’. Und einen Denkanstoß in Sachen Wertschätzung. Für die Teilnehmer selbst und für jeden Betrachter.



Das Fotokunstprojekt Im Letzten Hemd wurde inspiriert und initiiert von Hanna Thiele-Roth und David Roth. Die Geschwister sind Geschäftsführer des Bestattungshauses Pütz-Roth in Bergisch Gladbach. Das Bestattungshaus Pütz-Roth wurde von Fritz Roth gegründet, der bundesweit mit seinen Aktionen für einen besseren Umgang mit Tod und Trauer immer wieder für Aufsehen gesorgt hat.



Our artwork is manifested in largesized photographic images. The source material are sculptures that we created ourselves after our own ideas using christian wooden crosses that we herited from our ancesters or purchased.
We think it is quite exciting how many people dealts with the subject "Jesus" and how ideas and concepts around this subject keep evolving constantly round the globe. The phenomenon "Jesus" and the social concept of "hero" is a vital part of our western culture. For us as artists it is important to keep in touch with traditional concepts and their meaning and impact on our todays world.




Mythische, geschichtliche und zeitgenössische Figuren flackern auf und geben den Blick frei auf neue Archetypen. Sind die Sons eine schrille Kritik an der Religion? Fragen sie nach dem Status von Erlösern in der heutigen Zeit? Ist damit eine radikale Zustimmung oder eine verzweifelte Ablehnung verbunden? Oder muß man bei der Annäherung an die Sons eine Frage suchen und keine Antwort.




Fotoprints / Alu-Dibond 180 x 130 cm / handsigniert












Künstlergruppe Gotensieben
c/o Reichert Consultants GmbH
Taunusstraße 75
65835 Liederbach am Taunus

kr@medien-consultants.de



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